‘Hamlet’ é transferido para o Brooklyn como ‘Summerfolk’ do National Theatre Preps

Robert Hastie, vice-diretor artístico do Teatro Nacional do Reino Unido, está fazendo malabarismos com grandes produções em ambos os lados do Atlântico na próxima primavera, transferindo sua produção de “Hamlet” para a Academia de Música do Brooklyn, em Nova York, enquanto dirige uma nova adaptação de “Summerfolk”, de Maxim Gorky, em Londres.

A transferência “Hamlet”, que acontecerá de 19 de abril a 17 de maio de 2026 no Harvey Theatre do BAM, marca a produção inaugural de uma nova parceria plurianual entre o Teatro Nacional e o BAM. A produção é estrelada pelo vencedor do Prêmio Olivier, Hiran Abeysekera, no papel-título.

“Há muito tempo que queríamos estabelecer a primeira de nossas colaborações BAM”, diz Hastie Variedade. “Portanto, garantir que aterrissasse bem seria uma prioridade.”

A parceria representa um marco significativo no momento em que o Teatro Nacional comemora 60 anos de encenação de produções nos EUA. Paralelamente à transferência, o BAM trabalhará com escolas locais do Brooklyn para entregar seu programa (Re)Centering Theatre, e o público poderá explorar uma exposição gratuita sobre “Hamlet” e seu legado na Rudin Family Gallery do BAM.

“Estamos muito entusiasmados em levar a incrível performance de ‘Hamlet’ de Hiran Abeysekera para públicos diferentes em uma parte diferente do mundo”, diz Hastie.

Enquanto isso, Hastie dirigirá a nova adaptação de “Summerfolk” de Nina Raine e Moses Raine no espaço Olivier Theatre do National Theatre em Londres, de 6 de março a 29 de abril de 2026. A produção examina a elite da Rússia em 1905 enquanto eles se retiram para o campo, alheios à revolução que se aproxima.

“Sempre adorei a peça, mas também achei que ela parece bastante presciente”, explica Hastie. “Foi escrito em 1905 sobre um grupo de pessoas muito abastadas e confortáveis, e mesmo que Gorky, quando o escreveu, não pudesse saber que seu modo de vida seria varrido para sempre em pouco mais de 10 anos, você pode de alguma forma sentir isso – como chamas ao redor de uma fotografia.”

O diretor vê ressonância contemporânea nos temas da obra. “Há algo no ar na vida hoje que parece – podemos sentir o ar de, você sabe, não sabemos bem quais serão as próximas mudanças, se serão baseadas na tecnologia ou na política ou, você sabe, acabamos de ter uma pandemia, mas há um ar de uma espécie de desgraça ligeiramente milenar por aí”, diz ele.

Hastie descreve a peça como sendo “sobre um grupo de pessoas, algumas das quais podem sentir que algo está no horizonte que mudará seu modo de vida para sempre. E há uma escolha a ser feita sobre enterrar a cabeça na areia e continuar a festa, ou levantar a cabeça e olhar o futuro de frente e fazer algo a respeito.”

Embora “Summerfolk” pudesse permanecer ancorado em seu cenário russo original de 1905, em vez de ser atualizado até os dias atuais, Hastie diz que há valor nessa abordagem. “Há algo realmente útil em observar um grupo de pessoas se comportando em um momento diferente, em um lugar diferente, enfrentando mudanças e mudanças semelhantes”, explica ele. “Isso tem acontecido periodicamente em diferentes épocas e lugares, talvez deva nos oferecer um pouco de esperança de que sempre haverá uma saída se pensarmos sobre isso da maneira certa.”

O cenário de época também permite que a produção evite ficar “muito atolada em colocá-la em uma bela cozinha de vidro e realmente invista nos relacionamentos e nos personagens”, acrescenta Hastie.

A adaptação dos Raines traz o humor britânico contemporâneo ao texto de Gorky. “Há um brilho e um senso de humor na escrita de Nina e Moses que nos parece muito contemporâneo”, diz Hastie. “O que eles estão descobrindo no (texto) russo é que os personagens provocam uns aos outros, irritam uns aos outros, flertam uns com os outros, condenam uns aos outros, provocam uns aos outros de maneiras muito semelhantes à maneira como os grupos britânicos contemporâneos falariam.”

Ele compara o estilo ao trabalho de Armando Iannucci, particularmente “A Morte de Stalin”, onde cenários de época se combinam com dinâmicas de personagens reconhecidamente modernas. “Você está absolutamente enraizado no período em que a história está sendo contada, mas os personagens são completamente reconhecíveis, não apenas os personagens, mas também seu senso de humor, sua inteligência, seu estilo, a maneira como falam uns com os outros”, diz Hastie.

As produções exemplificam a evolução da identidade do Teatro Nacional sob a direção dos co-diretores Indhu Rubasingham e Kate Varah. “Acho Indhu realmente inspirador, e sempre achei”, diz Hastie. “É realmente emocionante fazer parte da equipe que está ajudando a moldar o próximo capítulo da história do Nacional.”

Ele elogia o foco de Rubasingham em “inovar novos escritos e trazer novas vozes” e seu trabalho “atuando como um centro tanto para o local quanto para o global”.

“Isso aponta para o tipo de Nacional que queremos ser, uma organização verdadeiramente nacional, apresentando as nossas histórias britânicas nas suas muitas e diversas formas, na margem sul, digitalmente em todo o país e também saindo e trabalhando em todo o país para sermos verdadeiramente nacionais”, explica Hastie. “Mas também ser um Teatro Nacional que representa o melhor do teatro britânico para o mundo e, em troca, atrair de forma recíproca grandes artistas globais e talvez novas histórias globais para o público britânico.”

A abordagem de Hastie baseia-se em seu sucesso com “Standing at the Sky’s Edge”, com música e letras de Richard Hawley e um livro de Chris Bush, que ele dirigiu em Sheffield para um público de Sheffield sobre um edifício de Sheffield antes de se transferir para o National Theatre, no West End, e ganhar um prêmio Olivier.

“Fizemos ‘Standing at the Sky’s Edge’ em Sheffield para um público de Sheffield, sobre o prédio mais ou menos vizinho ao teatro onde o fizemos, não poderia ser mais local”, lembra ele. “Ao fazê-lo com muito orgulho para aquela cidade, conseguimos fazer algo que tinha um apelo universal. Trazê-lo para o Teatro Nacional, o que parecia bastante arriscado, provou na verdade atrair o público, envolver o público de uma forma que nenhum de nós esperava.”

Ele aplica um pensamento semelhante a “Hamlet” no National. “Não é uma programação particularmente ousada – já foi feita várias vezes no passado do National – mas esperamos que estejamos fazendo isso de uma forma e com um elenco que está entregando uma das maiores peças do cânone de língua inglesa, mas também está engajando públicos que podem ser novos em Shakespeare, que não vêm com o peso de muitos National Hamlets em sua experiência e estão, portanto, vindo para o mundo que estamos criando sem quaisquer preconceitos”, diz ele. “Temos que contar a história da forma mais clara e emocionante possível.”

No entanto, Hastie expressa preocupação com o estado da nova escrita no teatro britânico. “Acho que há uma certa crise nos novos escritos em todo o país”, diz ele. “Tendo trabalhado durante oito anos em Sheffield, onde fomos abençoados por ter um público que realmente se envolveu em novas peças, sei em primeira mão que há um público lá fora que está entusiasmado com novas vozes e novas histórias, mas a economia e a cultura estão a tornar mais difícil conseguir novos trabalhos para esse público.”

A questão não é falta de talento ou interesse. “Não faltam grandes escritores e grandes artistas, e não faltam públicos para todas essas histórias, mas os modelos económicos que trazem novos trabalhos ao público estão desatualizados, sob uma pressão incrível e difíceis de financiar”, explica Hastie.

Ele alerta para as consequências: “O que isso significa é que a rica variedade do teatro britânico que sempre o tornou tão vibrante, tão grandioso e tão líder mundial – não podemos arriscar esse estreitamento a quantidades conhecidas que significam que estamos a perder as novas vozes emocionantes e as histórias não contadas.”

O Teatro Nacional mantém um novo departamento de trabalho ativo que trabalha com escritores consagrados e emergentes. Exemplos recentes incluem a adaptação de Eurípides do dramaturgo Nima Taleghani, “Bacchae”, que lançou o mandato de Rubasingham. “Ele é um escritor muito além da sua idade, mas nunca havia participado do National antes deste momento”, observa Hastie.

O teatro também está ampliando seu alcance por meio de parcerias e plataformas digitais. Uma colaboração recente com a Associação de Teatro Educacional entrega gratuitamente a Coleção Nacional de Teatro a 5.000 escolas dos EUA em todos os 50 estados. “Estamos alcançando 40 mil estudantes de escolas públicas de Nova York, 70% dos quais são economicamente desfavorecidos”, diz Hastie. “Não se trata apenas de levar o trabalho a novos públicos, mas de alcançar diferentes tipos de público.”

As parcerias internacionais do Teatro Nacional vão além do BAM e incluem o The Shed, outro importante centro artístico de Nova York. “Também somos apaixonados por divulgar o trabalho digitalmente”, acrescenta Hastie, apontando para as transmissões de cinema ao vivo do National Theatre e streaming via National Theatre at Home.

A temporada da primavera de 2026 do Teatro Nacional também apresenta várias produções importantes. Marianne Elliott retorna ao local após nove anos para dirigir “Les Liaisons Dangereuses” no Lyttelton Theatre (21 de março a 6 de junho). A produção da adaptação de Christopher Hampton do romance de Pierre Choderlos de Laclos é estrelada por Monica Barbaro como Madame de Tourvel, Lesley Manville como Marquês de Merteuil e Aidan Turner como Visconde de Valmont, com os recém-anunciados membros do elenco Sharif Afifi como Azolan, Nandi Bhebhe como Julie, Ali Goldsmith como Major-Domo, Darragh Hand como Chevalier Danceny, Cat Simmons como Madame de Volanges, Hannah van der Westhuysen como Cécile Volanges e Gabrielle Drake como Madame de Rosemond.

Anthony Lau faz sua estreia no Teatro Nacional com “Man and Boy” de Terence Rattigan no Dorfman Theatre (30 de janeiro a 14 de março). Ambientado na Nova York dos anos 1930, durante a Grande Depressão, a produção é estrelada por Ben Daniels como o financista internacional Gregor Antonescu e Laurie Kynaston como seu filho afastado, Basil Anthony. O elenco também inclui Phoebe Campbell como Carol Penn, Isabella Laughland como Condessa Antonescu, Malcolm Sinclair como Mark Herries e Leo Wan como David Beeston.

Miranda Cromwell dirige a estreia mundial do thriller psicológico gótico de Winsome Pinnock, “The Authenticator”, no Dorfman (26 de março a 9 de maio), reunindo a aclamada equipe por trás de “Rockets and Blue Lights”. A produção é estrelada por Rakie Ayola como Abi, Sylvestra Le Touzel como Fen e Cherrelle Skeete como Marva.