Bess Wohl sobre feminismo, nudez e viagem no tempo na libertação

Bess Wohl demorou muito para escrever o que acabaria se tornando Libertaçãosua aclamada peça que estreou na semana passada na Broadway. Afinal, ela começou a pensar em fazer algo sobre o movimento de libertação das mulheres da década de 1970 há cerca de 20 anos.

“Eu estava tentando decifrá-lo, não por motivos políticos, mas por motivos pessoais, durante a maior parte da minha vida de escritora”, disse ela em uma recente ligação da Zoom.

Agora Libertação existe em um mundo que, em muitos aspectos, regrediu chocantemente com a reversão de Roe v. e a ascensão da “cultura da esposa comercial”. As circunstâncias fazem com que o trabalho pareça mais urgente do que nunca. Ainda assim, a produção não pretende explicar onde estamos agora. Em vez disso, é uma visão profundamente curiosa de como chegamos aqui.

A peça começa com uma narradora (Susannah Flood) dirigindo-se diretamente à multidão, explicando que ela vai contar a história de sua mãe, Lizzie (também interpretada por Flood), que iniciou um grupo de conscientização no porão de um centro recreativo em Ohio. A diretora Whitney White nos convida para entrar naquela sala e conhecemos as mulheres reunidas – entre elas, uma dona de casa que ficou desiludida com sua vida (Betsy Aidem); uma mulher cuidando de sua mãe doente enquanto escrevia um livro sobre feminismo radical (Kristolyn Lloyd); uma imigrante italiana em casamento com green card (Irene Sofia Lucio). Mas Flood muitas vezes sai da ação para comentar sobre ela e nos trazer ao presente, suscitando ao longo do caminho perguntas que vão desde “o que deu errado?” para “o casamento é um ato de traição?”

As maneiras pelas quais Libertação move-se no tempo e rompe com as convenções teatrais, inclusive por ter seus atores desempenhando vários papéis, tornando-se uma espécie de truque de mágica que se torna catártico, não apenas para os personagens no palco, mas para o público. Falando com a TIME, Wohl discutiu como ela finalmente definiu a narrativa e o que ela acha das conversas íntimas que a peça está gerando.

TIME: O que fez você querer escrever isso?

Wohl: Porque minha mãe trabalhava em EM., Cresci imersa nas ideias da segunda onda do feminismo e da libertação das mulheres. E eu os amei. Eu adorava sentar no chão do escritório dela sob um pôster gigante da Mulher Maravilha enquanto podia ouvi-la batendo palmas e tendo uma pequena cesta de brinquedos com os quais eu poderia brincar. À medida que fui crescendo, o mundo mudou, mas também comecei a entrar em contacto com algumas dessas ideias de forma pessoal. Eu me casei. Eu tive filhos. Tentei ter uma carreira e ser levado a sério. De repente, comecei a experimentar estas ideias em minha própria vida: “O que estava certo, o que estava errado, o que foi deixado de fora? Isso é realmente prático?”

Qual tem sido sua relação com o feminismo da segunda onda? Ele teve uma má reputação ao longo dos anos.

Eu não queria deixar nada disso fora da peça. A peça luta para conter tudo isso, ao mesmo tempo que sabe que é impossível conter tudo isso. Uma das coisas que adoro fazer quando escrevo uma peça é definir para mim uma tarefa impossível e depois mostrar às pessoas a minha tentativa. (Quando fui criado) falávamos sobre meninos e meninas serem completamente iguais. Você pode fazer qualquer coisa que um garoto pode fazer e, na verdade, não importa qual seja o seu gênero. eu ouvi Livre para ser… você e eu na repetição. À medida que fui crescendo, especialmente quando me tornei mãe, aprendi que, como diz a personagem de Betsy Aidem na peça, as expectativas e as regras não são iguais e nunca serão. Essa frase recebe aplausos algumas noites porque acho que as pessoas entendem isso agora de uma maneira diferente.

Como você descobriu como seria a peça? Porque a estrutura é tão única. É um jogo de memória que na verdade não é uma memória porque a narradora é filha da mulher cuja história ela conta.

Assim que apresentei o narrador, toda a peça se abriu para mim. Comecei a pensar que seria sobre um grupo de mulheres dos anos 70 tentando mudar o mundo. É sobre isso até certo ponto, mas agora também está em conversa direta com hoje por causa dessa personagem que vai e volta no tempo e que na verdade interpreta sua própria mãe. Grande parte da minha vida foi uma conversa em minha cabeça sobre se eu iria ou não me tornar minha mãe. Minha mãe também era escritora. Eu tive que me tornar atriz por um tempo porque não iria me tornar minha mãe. O ato de fazer um personagem incorporar fisicamente uma luta que estava na minha cabeça há tanto tempo parecia muito poderoso para mim.

Quanto a regressão que as mulheres estão vivenciando neste momento influenciou a brincadeira?

Acho que teria escrito a peça de qualquer maneira. Foi a própria história pessoal. Eu não poderia ter previsto como os direitos das mulheres estariam sob ataque no mundo atual. Isso apenas aumentou a urgência e afetou profundamente a forma como as pessoas estão recebendo a peça. É como se o público chegasse pronto para receber e para falar.

Quando vi a peça, uma mulher na plateia consolou a narradora ao mencionar no palco que sua mãe não estava mais viva. Como você experimentou a reação do público?

Eu observei essas coisas também. As pessoas sentem que têm interesse no que está acontecendo e permissão para aparecer dessa forma. É algo que eu gostaria que acontecesse mais no teatro. A quarta parede pode ser realmente uma coisa triste porque, em última análise, estamos todos juntos aqui em comunidade. Esse é o objetivo do teatro. Nossos corpos estão juntos no espaço neste momento, sem querer ser poético, mas isso nunca mais vai acontecer assim. Criar uma peça que pareça tão viva para as pessoas que elas tenham que se sentar e ter sua voz também ouvida na expressão dela, isso é realmente incrível para mim.

Qual foi o seu processo de pesquisa além da sua experiência pessoal?

Eu tinha lido periódicos antigos e feito uma ampla gama de leituras. Mas o que realmente abriu a porta foi começar a falar com mulheres que estavam activas na segunda vaga, em particular, membros de um certo grupo de sensibilização. Eu conversava com uma pessoa e ela dizia: “Ah, você precisa falar com meu amigo fulano de tal”. Isso me permitiu ser realmente específico sobre quem eram essas mulheres, além das coisas que você pode ler em um livro. Foram as vozes deles que começaram a se ativar em minha mente. Eu estava conversando com eles e senti que isso me deu permissão para escrever a peça, porque de repente me senti fundamentado em uma autenticidade diferente.

A peça é muito explícita sobre suas próprias limitações como mulher branca contando essa história. Como você abordou isso?

Esse é um lugar onde a pesquisa realmente me ajudou. Uma das mulheres a quem este grupo me dirigiu chamava-se Celestine Ware, uma escritora feminista negra que já faleceu, mas que forneceu algumas ideias fundamentais e me ajudou a compreender a personagem Celeste, interpretada por Kristolyn Lloyd. Estar fundamentado no real me deu uma sensação de permissão que de outra forma eu não teria.

A forma da peça luta abertamente contra isso, na medida em que permite que os atores se coloquem no lugar de vários personagens. Essa linguagem teatral pergunta quais são os limites da identidade e se algum dia podemos superá-los. O objetivo era criar essa representação e ao mesmo tempo ser honesto sobre as limitações do meu próprio entendimento. Uma coisa que adorei que Whitney fez na direção da peça foi manter Susannah Flood no palco o tempo todo. O fato de este ser seu sonho febril está relacionado à maneira como isso é apresentado.

Surgiu novamente de minhas conversas com essas mulheres e dos escritos que elas me orientaram. Eu simplesmente senti que esta é uma parte muito importante do trabalho e do legado deles. Eu sabia que seria arriscado e que chocaria algumas pessoas, e que teríamos que fazer com muito cuidado, reflexão e intencionalidade. Essa cena em que as mulheres estão nuas no palco, mas não são sexualizadas, parece muito importante para mim. Os corpos das mulheres podem existir no espaço desta forma. Podemos ser sujeitos, não objetos, e é assim que parece, e público, vocês vão testemunhar isso agora.

Por causa da cena de nudez, o público tem que guardar seus celulares nas bolsas Yondr, que ficam trancadas durante o show. Isso realmente faz você se conectar com a peça.

Eu nunca poderia ter previsto que essa seria uma das coisas mais libertadoras de ver essa peça, certo? Vamos libertá-los dessa tecnologia, que, honestamente, é uma grande perda de tempo para tantas pessoas. Esta peça é sobre ter uma conversa profunda e verdadeira. É isso que acontece entre as mulheres e, esperançosamente, é isso que provoca no público depois que elas vão embora. Portanto, guardar o telefone faz parte dessa experiência. Ouvi do público que as conversas que eles puderam ter, mesmo durante o intervalo, sem o telefone por perto, foram realmente únicas e profundas para eles.