As tradições Kabuki se desenrolam em um drama impressionante

É issoque leva o título e o caráter romanesco de uma obra de ficção recente sobre o mundo rarefeito do kabuki, começa em meados da década de 1960 e termina 50 anos depois. Mergulhado na história japonesa moderna sem explicá-la, o filme do diretor Sang-il Lee é impulsionado pela intensidade operística e pela poesia visual. Ele se desenrola ao longo de três horas fascinantes, com apenas lapsos ocasionais no ímpeto narrativo. Através de suas histórias geminadas de aspirantes a atores – um nascido na tradição kabuki, outro forasteiro determinado a subir na hierarquia – o filme mistura melodrama de bastidores, saga de sucessão e dinâmica de criação de um artista. No centro de seu elenco soberbo, Ryo Yoshizawa e Ryusei Yokohama apresentam performances primorosamente em camadas que entrelaçam a caracterização fora do palco e a teatralidade no palco.

Depois do drama policial Vilão (2010) e mistério de assassinato Raiva (2016), É isso é a terceira adaptação de Lee de um romance de Shuichi Yoshida. Submissão oficial do Japão à categoria de longa-metragem internacional do Oscar, o filme estreou nos Estados Unidos no AFI Fest antes de começar uma exibição de lançamento limitado em meados de novembro.

Trabalhando a partir de um roteiro de Satoko Okudera, Lee se concentra em onnagatas – os atores masculinos que desempenharam papéis femininos no kabuki desde que os shoguns do século XVII proibiram as mulheres de atuar. Dentro da história, não há questionamento dessa tradição, feminista ou não – há apenas sua busca e a estima que a arte dos onnagatas é tida.

A espada de dois gumes que É isso examina é sobre a trajetória do personagem, não sobre convenções sociais. Seu título é um termo que significa “tesouro nacional”. Quando um personagem se refere a um onnagata dessa maneira e diz: “Ele não deixará nada, exceto sua arte, quando morrer”, ele quer dizer isso como um comentário triste. Mas Lee e Okudera também consideram isso o maior elogio. Mesmo que o filme reconheça a vaidade dos atores – “criaturas gananciosas”, na opinião de um personagem – ele presta homenagem ao seu trabalho árduo e ao quanto de si mesmos eles dão, pelo menos ao seu público. Estranhos, é claro, são fáceis.

Antes de Yoshizawa e Yokohama assumirem os papéis centrais por volta dos 40 minutos, os personagens principais são adolescentes, excepcionalmente bem interpretados por Soya Kurokawa e Keitatsu Koshiyama. O filme começa com uma rara nevasca em Nagasaki, e seu fascínio assustador se torna o tema do filme, levemente usado e eficaz. Durante um banquete de Ano Novo oferecido por um yakuza (Masatoshi Nagase), um ator visitante de kabuki, o renomado Hanjiro Hanai (Ken Watanabe, que estrelou Raiva bem como o remake de Lee de 2013 de Imperdoável), percebe um talento notável no filho de seu anfitrião, Kikuo (Kurokawa), de 14 anos, que desempenha um papel feminino no kabuki com energia e comprometimento.

Um ano depois, depois que o pai de Kikuo foi assassinado e o menino tentou e falhou (fora da tela) em vingá-lo, sua madrasta (Emma Miyazawa), na esperança de colocá-lo em um caminho longe do crime, o envia para Osaka para ser aprendiz de Hanai, que faz parte de uma linhagem de atores kabuki conhecida como Casa de Tanba-ya e agora lidera a linhagem. A esposa cética, mas complacente de Hanai, Sachiko (Shinobu Terajima), concorda em essencialmente adotar Kikuo e ajudar a treiná-lo. (Em um aparte comovente, o menino observa que sua mãe biológica morreu de “doença da bomba atômica”.)

O filho de Sachiko, Shunsuke (Koshiyama), tem a mesma idade de Kikuo e eles têm físicos semelhantes, com a notável diferença de que as costas de Kikuo são cobertas por uma tatuagem yakuza representando uma feroz coruja-águia. A rivalidade entre irmãos é instantânea, mas também o é a parceria e o incentivo mútuo enquanto treinam juntos sob a rigorosa tutela de Hanai.

Seus métodos, fisicamente rudes e verbalmente insultuosos, não seriam aprovados hoje e levantariam algumas sobrancelhas em 1965, mas Kikuo, florescendo sob a atenção e desconsiderando os hematomas, o considera um professor “incrível”. Hanjiro Hanai dá a ele o nome artístico de Toichiro Hanai, colocando o filho órfão da yakuza em sua linhagem kabuki enquanto Sachiko observa com preocupação. Quer Kikuo seja um kabuki natural ou apenas mais ambicioso que Shunsuke – ou, como Sachiko declara mais tarde, um “ladrão imundo” – seu mentor reconhece nele coragem e habilidade. Mas o caminho dificilmente é tranquilo.

Soando uma nota de advertência está um famoso onnagata idoso, Mangiku (um atraente Min Tanaka), que diz a Kikuo que sua beleza pode atrapalhar sua arte. Assistir Mangiku no palco é uma epifania para Kikuo, marcando o fim da primeira seção do drama, que então salta para 1972. Kikuo e Shunsuke – agora interpretados, respectivamente, por Yoshizawa e Yokohama – são jovens adultos que treinaram juntos como onnagatas. Em pedaços como Donzela das glicínias (os cartões de título fornecem descrições concisas do enredo), enfeitados com maquiagem clássica e trajes complexos, eles se movem com a disciplina e a simetria dos nadadores sincronizados. Apesar das objeções de Hanai, o benfeitor corporativo da Casa de Tanba-ya (Kyusaku Shimada) os inscreveu em um grande teatro, e logo sua novidade onnagata-duo lhes deu uma espécie de popularidade de galã de boy band.

Mas eles não estão exatamente se movendo em uníssono fora do palco; Shunsuke está mais atento ao jogo publicitário e à necessidade de clientes. E ele está cada vez mais consciente de que pode não ter o talento inato do seu parceiro de palco.

Até a namorada de Kikuo, Harue (Mitsuki Takahata), entende que ela não é páreo para sua devoção à sua arte. Quando ela e Shunsuke, sentados separadamente na plateia, assistem Kikuo interpretar o papel feminino principal em Amor suicídioeles sabem que estão testemunhando algo catártico e transformador para ele. Esta sequência, com sua vingança no palco, desespero e diálogos entusiasmados, e sua visão fora do palco de como o triunfo de Kikuo afeta as duas pessoas mais próximas a ele, é uma das mais poderosas do filme. O roteiro é potente (“Quero ser um ator de verdade, não um ator de mentira”, Shunsuke confessa em prantos), e a edição hábil é de Tsuyoshi Imai.

O desenhista de produção Yohei Taneda (Matar Bill: Vol. 1, Quando Marnie estava lá) cria não apenas uma ampla variedade de espaços habitados dentro de uma extensa variedade de períodos, mas também o artifício estilizado e vibrante dos cenários kabuki. Da mesma forma, os figurinos de Kumiko Ogawa incluem roupas que definem os personagens, bem como trajes elaborados para as peças, alguns dos quais são construídos para mudanças de figurino cheias de suspense no palco. A lente de Sofian El Fani (Azul é a cor mais quente) capta o jogo de texturas e luz, com atenção especial aos close-ups dos atores do kabuki, cujos rostos revelam muito através da maquiagem tipo máscara. Movendo-se entre desmaios orquestrais e instrumentação mais contida e despojada, a partitura de Marihiko Hara está em sincronia com o lirismo elevado da história.

À medida que avança ao longo das décadas, a narrativa às vezes fica superaquecida, e as reviravoltas dos personagens na segunda metade podem ser mais chocantes do que emocionantes. Mas não há nada de previsível nos caminhos de Kikuo e Shunsuke – ou de qualquer um dos personagens, um exemplo disso é a forma como um empresário (Takahiro Miura) que a princípio trata Kikuo com desdém se torna um aliado.

À medida que seus personagens enfrentam lutas, triunfos e reveses, as duas lideranças nunca vacilam. Interpretando um homem tão determinado que mal conhece o filho que teve com uma gueixa (Ai Mikami) e mais tarde embarca em um romance possivelmente oportunista com a filha (Nana Mori) de um ator consagrado (Ganjiro Nakamura, também conselheiro de kabuki do filme), Yoshizawa não é nem sibilante nem bajulador, mas oferece algo muito mais interessante e enigmático.

Como mentor de Kikuo e pai de Shunsuke, Watanabe traz seriedade a um personagem não menos imperfeito e igualmente persuasivo. Encorajando Kikuo a abraçar a arte em vez de seu legado criminoso, ele diz a ele que dominar o kabuki pode ser sua “doce vingança”. Talvez, em certo sentido, esta seja afinal uma saga de crime, uma história de códigos de honra e lealdade. Acima de tudo, é de uma beleza febril. As apresentações onnagata são tocadas com poder e elegância por Yoshizawa e Yokohama; seus personagens são irmãos na arte do mundo masculino do kabuki, incorporando uma ideia ritualística de feminilidade que é de outro mundo. Os atores que retratam são ainda mais fascinantes por serem meramente humanos.