A moda britânica sempre foi mais do que apenas aparência

No sábado, uma nova gala de arrecadação de fundos acontecerá no Museu Britânico, projetado para “iluminar Londres como um centro global de criatividade e cultura”. Concebida como uma contrapartida à Gala de Maio do Metropolitan Museum of Art para financiar o Costume Institute do museu, esta versão britânica pretende destacar a posição de Londres como um centro criativo. Com um código de vestimenta temático solicitando que os convidados cheguem de rosa, o baile celebra a Índia por meio da exposição “Índia Antiga: Tradições Vivas”.

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O British Museum Ball representa a mais recente tentativa de Londres de alavancar a moda e as indústrias criativas de forma mais ampla, para elevar o status da nação no cenário mundial. Tal estratégia começou logo após a Segunda Guerra Mundial. No meio das mudanças económicas e sociais causadas pela descolonização, a Grã-Bretanha lutou para redefinir o seu lugar como potência mundial sem as credenciais de um império global. Tanto o governo como a mídia reconheceram lentamente o potencial da moda para melhorar a reputação da Grã-Bretanha. E na década de 1990, a moda tornou-se um meio atraente para a Grã-Bretanha projectar força cultural.

A obsessão da Grã-Bretanha pela moda surgiu lentamente. De fato, Historiador Robert O’Byrne explica que o público britânico nem sempre se preocupou com a moda, preferindo produtos tradicionais de design em tecidos como o tweed, e considerando as roupas de grife como frívolas. O governo britânico tinha-se concentrado anteriormente em organizações comerciais, como o Conselho de Exportação de Vestuário, que fornecia recursos principalmente a grandes grupos retalhistas industriais. Na era do pós-guerra, a Grã-Bretanha começou a passar de uma potência industrial para uma potência baseada no consumo, tornando necessário prestar mais atenção a indústrias como a da moda como forma de construir a economia doméstica.

Na década de 1960, a nação emergiu do racionamento pós-Segunda Guerra Mundial, precipitando uma nova onda de produção cultural na música, no cinema e na moda. Apelidada de “Swinging dos anos 60”, esta era levou a TIME a relatar em 1966 que “Londres está exportando suas peças, seus filmes, suas modas, seus estilos, seu povo. É o lugar para ir”. Mary Quant, uma das designers mais icônicas deste período, é responsável pela criação da infame minissaia e shorts. Os designs que saíram de sua loja Bazaar em King’s Road faziam parte do movimento de afastamento dos estilos e códigos de etiqueta restritivos das gerações anteriores, capacitando as mulheres jovens especificamente em direção a ideias de liberação sexual.

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A década de 1970 quebrou o otimismo da década anterior com uma nova subcultura: o punk. As roupas punk, lançadas na loja de Vivienne Westwood e Malcolm McLaren em King’s Road, eram uma dramatização externa da instabilidade econômica da Grã-Bretanha. Sinais importantes como alfinetes de segurança, sacos de lixo e roupas rasgadas enfatizaram o estado de desordem do país. À medida que o punk se tornou popular, transformou-se em ideias abstratas de experimentação, rebeldia e criatividade que se tornaram componentes da identidade cultural britânica.

Na década de 1980, a moda encontrou uma candidata improvável para defender a indústria – a primeira-ministra Margaret Thatcher. Organizando a primeira recepção governamental para celebrar o lançamento da London Fashion Week, Thatcher considerou a moda relevante para a sua própria busca de tornar a Grã-Bretanha uma cultura empresarial. Ela afirmou“Eu realmente senti que era hora de o governo mostrar seu tremendo apreço por tudo o que a indústria da moda faz… Há muito tempo que sinto que não lhes damos apoio moral suficiente do governo para o tremendo trabalho que estão fazendo.”

A fundação do British Fashion Council em 1983 consolidou a infra-estrutura nacional existente e criou uma plataforma para apoiar talentos emergentes do design. Em 1995, o BFC simplificou o mecanismo da London Fashion Week e garantiu financiamento governamental para exposições, apoio a jovens designers e cortejo de compradores estrangeiros. Juntamente com esta infra-estrutura crescente, em 1981, a recém-casada princesa Diana tornou-se um outdoor ambulante da moda britânica como uma das pessoas mais fotografadas deste período.

Na década de 1990, a popularidade da cultura britânica aumentou com o gênero musical Britpop. Bandas como Oasis e Spice Girls, que estrearam no início dos anos 1990 e atingiram o auge da fama em 1997, fizeram de Londres “a cidade mais legal do planeta”. Feira da Vaidade relatado que “como era em meados dos anos 60, a capital britânica é uma pioneira cultural”. Depois de o político trabalhista Tony Blair ter chegado ao poder em 1997, ele ofereceu uma “nova visão” para o país que incluía um maior envolvimento do governo com as indústrias criativas. Ele criou o Grupo de Trabalho das Indústrias Criativas, que visava “aproveitar a força das indústrias criativas do Reino Unido e ajudá-las a tornarem-se um elemento central no nosso esforço para aumentar a prosperidade económica nacional”.

A moda foi parte integrante desta iniciativa multifacetada para alavancar a reputação da Grã-Bretanha como inovadora e experimental. Capitalizando as bases estabelecidas por décadas de produção cultural, o governo de Blair procurou usar as indústrias criativas para “desafiar os estereótipos obsoletos do Reino Unido no estrangeiro”. Blair e o seu governo impulsionaram as indústrias criativas, incluindo a moda, especificamente para refazer a imagem da Grã-Bretanha. Embora as contribuições monetárias directas do governo de Blair para as indústrias criativas fossem, em última análise, mínimas, a retórica do seu governo posicionou as indústrias criativas como parte integrante da promoção da influência internacional positiva da Grã-Bretanha.

Hoje, a Gala do Museu Britânico utiliza a longa história da capital de divulgar a produção criativa dos seus talentosos designers e artistas para posicionar Londres, e a Grã-Bretanha, como uma potência cultural. Resta saber se a Gala do Museu Britânico terá longevidade, mas este evento prova que as indústrias criativas são uma ferramenta poderosa com um papel crítico na formação da imagem e identidade nacional.

Margot Rashba é Ph.D. candidato em história na Universidade de Boston. Sua pesquisa centra-se no vestuário e na moda na Grã-Bretanha do século XX.

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