DPDan Laustsen sobre ‘Frankenstein’: elaborando a cinematografia moderna

TURIM, Itália – Quando o diretor de fotografia Dan Laustsen descreveu sua colaboração com Guillermo del Toro, ele buscou primeiro os sentimentos em vez das lentes. “É como confiança e amor”, disse ele ao público na View Conference em Torino através de uma entrevista em vídeo com a jornalista Carolyn Giardina. “Temos o mesmo gosto e a mesma forma como queremos contar histórias.”

Essa abreviação, desenvolvida em “Crimson Peak”, “The Shape of Water” e “Nightmare Alley”, sustenta sua mais recente parceria em “Frankenstein”, um dos projetos mais pessoais de Del Toro para a Netflix.

Desde o início, tanto o cineasta quanto o diretor de fotografia compartilharam a ambição visual de fazer um filme que parecesse clássico, mas que parecesse moderno.

“O movimento da câmera, a luz – tudo deve parecer vivo e contemporâneo, mesmo neste cenário de época”, disse Laustsen.

Para alcançar esse equilíbrio, eles recorreram à câmera Arri Alexa 65 emparelhada com lentes Leitz Thalia, cortando 5% do quadro para dar à equipe de efeitos visuais liberdade para estabilizar e reenquadrar na pós conforme necessário. A configuração de grande formato, explicou Laustsen, produziu uma sensação grande e clássica, como a antiga 70mm, mas com uma nitidez moderna.

Trabalhar com um sensor tão grande alterou quase todos os instintos visuais. Uma lente de 24 mm, normalmente grande angular no Super 35, é lida como mid-wide no Alexa 65, mudando a perspectiva e a proximidade. “Como o sensor é tão grande, a distância focal se comporta de maneira diferente”, disse ele. “Você pode passar de um plano amplo para um close-up em um movimento sem distorção, mas não pode esconder nada.”

Essa intimidade exigia disciplina em iluminação, foco e textura, e a capacidade da lente de capturar tais detalhes representava seu próprio desafio. “Eles são incrivelmente nítidos, quase nítidos demais. Os tons de pele ficam muito nítidos”, observou Laustsen. Para suavizar esse toque hiper-real, ele montou um filtro de difusão atrás da lente, onde interagia com a luz já focada pelo vidro. “Se você colocar a difusão na frente, obterá apenas um reflexo de filtro; atrás da lente, você obterá um reflexo de lente. Essas lentes quase não brilham, por isso proporcionam uma bela suavidade nos realces, mantendo o contraste limpo.”

A luz, para Laustsen, impulsiona a emoção tanto quanto define o espaço. Ele prefere fontes únicas – janela, lareira, lanterna – enquanto mantém acessórios práticos quase sempre fora do enquadramento.

No palco, lâmpadas de tungstênio de 20 a 24 quilowatts moldavam a atmosfera; no local, as IHMs empurravam a luz do dia através de camadas de fumaça e neblina. “Usamos eixos e profundidade, mas nunca lâmpadas visíveis. Isso mantém o mundo crível”, disse ele. A mistura de temperaturas de cor, a luz do fogo contra o azul “aço” de uma janela – acrescentou o que ele chama de “contraste emocional”. Ele admirou “Barry Lyndon” durante a preparação e testou o visual, mas descobriu que a temperatura de cor dominada pelas velas uniformes de Kubrick não era adequada para a turbulência de “Frankenstein”.

Em nenhum lugar esse equilíbrio foi mais difícil do que na sequência de criação da criatura, uma orquestração de relâmpagos, vapor e luar. “Tive um pouco de medo daquela cena”, admitiu Laustsen. “Poderia facilmente se tornar um caos. O truque era não se afastar muito da aparência do resto do filme.”

Paleta de cores e continuidade ancoraram todos os departamentos. Laustsen disse que todos os elementos, desde cabelo, maquiagem, guarda-roupa e até pintura de parede, foram testados sob a mesma configuração de iluminação para garantir consistência. “Esse é o poder da luz”, disse ele.

Laustsen lutou para manter esse realismo mesmo em grandes momentos de bola parada. No cenário do navio, ele insistiu em tochas reais em vez de chamas digitais. “Quando o vento muda, a luz muda. E eu acho isso fantástico, porque torna tudo orgânico.” Para o incêndio do castelo, um cenário em escala real de Toronto se fundiu com fotografias em miniatura tiradas em Londres com uma câmera RED a 96 quadros por segundo. Eles não queriam usar fogo CG. Del Toro queria filmar de verdade. Parece fotorreal porque é.

As cenas subaquáticas usavam uma ilusão de “seco por molhado”: ​​o palco se enchia de fumaça e projeções de luz em movimento para imitar o jogo das correntes, enquanto os atores permaneciam secos e livres para atuar e livres do medo de se afogarem.

No entanto, o momento favorito de Laustsen é tranquilo – uma conversa ao amanhecer entre as estrelas Oscar Isaac e Jacob Elordi, iluminada pelo nascer do sol refletido em um espelho rachado. “É muito simples”, disse ele. “Muita raiva e amor ao mesmo tempo. A atuação é fantástica… e é justamente quando tudo se junta.”

Questionado sobre o que ele espera que o público atraia, Laustsen fez uma pausa. “Acho que se trata de amor e perdão”, disse ele, “e isso é muito importante agora”.